Melodiya MEL CD 1002096

柴可夫斯基 : 季節 (管弦樂改編版) Op.37b

C大調絃樂小夜曲, Op.48

蘇聯國立學院交響樂團

史特蘭洛夫(指揮)

Melodiya MEL CD 1002096 [79:15]

小夜曲於18至19世紀末的歐洲大行其道，莫札特、禾克曼 (Volkmann) 、德伏札克及布拉姆斯 都曾經譜寫小夜曲，柴可夫斯基當年譜出優美旋律的小夜曲，動機及靈感無非是源自18世紀的莫札特，柴氏甚至於第一樂章，刻意模倣莫札特悲喜交集的風格作致敬，更直言若被人認出其臨摹，更覺開心。

柴氏C大調絃樂小夜曲的創作概念與組曲(Suite) 更息息相關，因為柴氏於1880年完成譜寫第一組曲後，便萌起創作小夜曲的念頭，瞬間便完成小夜曲，配器與節奏的鋪陳，確是與莫札特時期的風格相近，以絃樂群奏為核心，首樂章大器磅礡，悲喜交加的感覺，令人屏息以待，群奏的起伏層巒疊嶂，齊奏劃一而不死板，扣人心弦的張力 ; 第二樂章的Valse彷如華爾玆舞曲般悅耳動人，躍動感強列，絕對令人有翩翩起舞的衝動，Svetlanov以樸實無華的一面展現出柴氏浪漫的一面，但絕不氾濫煽情 ; 第三樂章Elegie帶著濃郁的悲殤，情緒收放自如，Svetlanov棒下的控制功力可見一斑 ; 末樂章靈感來自俄國的民歌 Under the apple tree，曲風是古典主義的極緻，喜悅中帶點黯然，卻不是歇斯底里的放縱。

這張Melodiya官方再版意義非凡，是史特蘭洛夫 (Evgeny Svetlanov) 指揮柴可夫斯基C大調絃樂小夜曲，為Melodiya灌錄的首個錄音 (1970) ，但首次國際化再版CD( BMG 74321 34164 2)卻由BMG於1997年向Melodiya商借母帶翻製，今次卻是首次以正宗俄國Melodiya挂名出品，正所謂「肥水不流別人田」，Melodiya肯定是採用了原裝母帶翻製，但Melodiya並無說明使用了什麼技術翻製，BMG版本卻講明用了20bit Sonic Solution Turbo-bit Mapping及No-Noise處理，但講到Less-is-more的音樂味靚聲及原汁原味，肯定非Melodiya莫屬!!!

柴可夫斯基的「季節」是膾炙人口的鋼琴沙龍小品，而柴氏當年(1875-76)專注於第一鋼琴協奏曲及芭蕾舞曲「天鵝湖」的創作，根本沒有多餘時間及精力花於此作品上，由委約人(聖彼德堡的一本音樂雜誌Nouvellist) 提供標題，要求柴氏每月按時提交一首短小精悍的鋼琴短曲 ，柴氏一直待僕人催交原稿前，多番提醒下，柴氏才急就章地坐下來譜曲，連修改的時間亦可免則免。

後世的音樂學者一般形容柴氏的「季節」色彩鮮明，悅耳美麗，詩意盎然，著名的俄國大文豪托爾斯泰甚至形容「季節」一曲歌詠著俄羅斯西伯利亞鄉村草原的美景、聖彼德堡的原野及百姓的生活，亦充滿著俄國人對家鄉的思念，旋律秀麗挺拔，可歌可泣的抒懷，和聲飽滿悅耳，像一幅幅詩情畫意的油畫，描繪性強，聼者透過音樂可以細味俄羅斯的春夏秋冬，十二個月的神韻盡在不言中，最著名的短曲是六月的「船歌」及十一月的「雪撬的滑行」。

今次筆者向各位推薦的管弦樂改編版本，由俄國一代指揮宗師 Alexander Gauk (1893-1963) 負責改編，Gauk集指揮家，音樂學院教授及作曲家於一身，桃李滿天下，門生包括 Evgeny Mravinsky、Melik-Pashayev及史特蘭洛夫(Evgeny Svetlanov) ，可謂俄國指揮系的開山祖師，Gauk一向奉行的演譯原則: 指揮交響曲時切勿感情用事(Sentimental) ，其得意門生史氏追隨多年，了然於胸，對演奏柴氏管弦樂作品可謂駕輕就熟，信手拈來!!!

曲Gauk改編的「季節」管弦樂版本和聲豐富，配器骨子而精湛，色彩變化多端，低音弦樂等聲部厚潤有力，添加了敲擊、豎琴及木管部，無疑比起獨沽一味的鋼琴版，管弦樂版本擁有更廣闊的宏觀及微觀描述能力，情感表達的張力更大，時而奔放外向，時而內斂入微。

一月「火爐旁」是冬日下的熱淚盈眶，憶苦思甜 ;  二月「嘉年華」鏗鏘而活潑，生機勃勃 ; 三月「麻雀之歌」是原野下的鶯歌燕舞 ，春風下的花團錦簇 ; 四月「山谷之飄雪」代表苦難的終結 ，是春意的綻放 ; 五月「星月下的夜光」則苦樂參半，說不出的青澀感 ; 六月「船歌」緩不濟急，卻滲透出一絲絲夢幻泡影的無奈，史特蘭洛夫採用不徐不疾的速度，將這種既愁眉不展，又嚮往幸福的情緒，刻劃得淋漓盡致 ; 七月「收割者之歌」及八月「收成之歌」帶著歡愉雀躍的感覺; 九月「打獵之歌」則是凱旋勝利的進行曲 ; 十月秋意正濃，帶出一種無語問蒼天的肅殺 ; 十一月「雪撬的滑行」則是麗句不絕的冬日小品，溫韾而和諧，美輪美奐，三角鈴、單簧管與弦樂部交織出秀麗而飄逸的意境 ; 十二月「聖誕」溫暖入心，Gauk將柴氏芭蕾舞的簽名式配器及音色融入這節小曲，令人想起「天鵝湖」及「胡桃夾子」等名作。

Erwin Schrott Live in Berlin : Rojotango

Erwin Schrott

Live in Berlin : Rojotango

Sony Classical 8884302129 Blu-Ray [78:58]

南美烏拉圭藉的靚仔男高音 Erwin Schrott，乃當今炙手可熱的男高音，與俄國美人女高音 Anna Netrebkno 共諧連理，更成為古典樂界的一時佳話。今次Erwin Schrott不唱歌劇，反倒是改變一貫嚴肅的形象及演唱歌劇的腔調，精心策劃一場與別不同的實況音樂會，主題是來自阿根延的國粹舞蹈 : 探弋 (Tango)，以Rojotango作為音樂會的名稱，11首即席現場演唱的節目，涵蓋了Nuevo Tango的鼻祖 Astor Piazzola、探戈歌曲之王Carlos Gardel及Piazzola的御用鋼琴家 Pablo Ziegler的作品，出乎意料亦包括了流行完素、完滿巴西Bossa Nova曲風的Antonio Carlos Jobim，名作Insensatez，可謂南美音樂風情的大雜燴。

Rojotango演唱會的場地是位於德國柏林的上將宮 (Admiralspalast) 音樂廳 ，歷史悠久，不少著名音樂家如指揮家 Furtwangler及Karajan曾留下足跡。

Rojotango可算是一場室樂化加大碼的Tango音樂會，不計主音Erwin Schrott本人，只有8位樂手 (小提琴x 2、中提琴、大提琴、倍低音提琴、手敲鼓及手風琴) ，編曲是來自匈牙利的鋼琴家兼音樂總監 Frantisek Janoska，8位成員來自五湖四海，合作默契上乘，技藝超凡;  筆者不得不讚賞Schrott本人，歌喉了得，不在話下，更識搞熱氣氛，演唱每首作品前均向聽眾作有趣的介紹，搞「棟篤笑」逗觀眾開懷大笑，Schrott更盛讚柏林是全世界第二大最多Milonage(跳探弋的舞館) 的城市，証明柏林人識貨 (節目途中更即席邀請2位女士上台與舞蹈員跳Tango)，並非只會獨沽一味聼古典音樂。

先以Astor Piazzola的一曲Libertango 熱身，樂手熱熾投入，探弋獨有的哀怨纏綿腔調俯拾皆是，純樂器的演奏加上兩位疑似「基佬」舞男的即席伴舞，極盡視聽之娛。Los pajaros perdidos 狂野感性，盡顯Piazzola早年不羈的一面，律動感一流， Schrott的拉丁咬字發乎真誠，不下於另一拉丁男高音 Marcelo Alvarez ; Chiulin de bachin盡訴酒吧外賣花小童的苦況，反映早年貧窮的苦澀，弦樂濃密，手風琴出低下層生活的嗟嘆，Schrott嗓音帶有一種難以言喻的蒼涼感 ; Rojotano乃Pablo Ziegler 晚年的作品，由小提琴主奏悲涼的造句切入，主音的放亢高歌意味深長，調子悲天憫人，一段急速的變奏帶出Tango熱熾的情感，加上Schrott獨特厚實的磁性嗓音，唱詠著人生離死別，既緊湊又情深款款 ; Milonga del angel 意喻天使是否下凡做人的思想掙扎，鋼琴與手風琴之間的對答悅耳動人，悠遊高亢的造句，高低起伏的自由變奏，刻骨銘深的情緒，令人信服為何Tango不一定要有歌詞，純粹樂器的演奏一樣可以打動人心 ，Nuevo Tango的風潮能風靡全球，Piazzola確是功不可抹的大師!!  Rinascero 似一首Rap的作品，主唱似唱非唱的吟誦，節奏刺激，8位樂手逐一切入，互相競奏擦出的火花炫奇無巧，是Piazzola一首非常白熱化的作品。Nostalgias 是Juan Carlos Cobian的名作，但悲從中來、冷若冰霜的creepy效果，與Schrott的引吭高歌，互為衝撞，躍動的節奏，加上精巧的重音，像旋渦般懾人心魄 ;  Insensatez 則是bossa nova的名作，Schrott的演譯較為漫不經心，琴音玉潤珠圓，但缺少了經典Astrud Gilberto患得患失的矛盾，傾向較為隨心所欲的詠唱。

El dia que me quieras是Carlos Gardel的飲歌，是較為老派的Tango，但浪漫悅耳，Schrott對發音及咬字確是匠心獨韻，痛快淋漓，卻有悲從中來的病態美，淒美得令人心碎 ; Adios Nonino是Piazzola晚期的作品，節奏輕快，弦樂的對話美不勝收，對比強烈，加上兩位舞者伴舞，臻達探弋的最高境界「Two as One」(合二為一)!!!   Oblivion (遺忘) 是筆者最喜愛的Piazzola作品，一音一頓，充斥著對昔目戀人的不捨，Schrott的演唱有品味，不落俗套，卻情話綿綿，是發自內心的自白，加上一位絲巾舞者Susan Preissler 的凌空伴舞，何止賞心悅目，可謂近年難得一見，好睇兼好聽的live tango show!!!  錄音一流，畫質超卓也!!!

琉森音樂節 : 歷史演出系列

琉森音樂節 : 歷史演出系列

1) 莫札特 : 第20號鋼琴協奏曲

2) 貝多芬 : 第5號鋼琴協奏曲 “帝皇”

Philharmonia Orchestra / Otto Klemperer (1)

Vienna Philharmonic Orchestra / Dimitri Mitropolous (2)

Clara Haskil (1)

Robert Casadesus (2)

Audite 95.623  現場錄音  [78:36]

從HiFi音效角度，這兩份現場live錄音只是不過不失，但從藝術角度及收藏價值衡量之，卻是不可多得，値得一聽的版本。

羅馬尼亞裔鋼琴家哈斯基兒 (Clara Haskil 1895 – 1960)一向被後世稱為「鋼琴聖女」，以彈奏莫札特及舒曼等作品而聲名鵲起，尤其演繹莫札特的手法，被不少音樂學者形容是純綷的藝術 (Pure Art) ，指法及觸鍵渾然天成，結合了凝重及輕盈的感覺，既脆弱又耐聽，融合了戴歐尼索 (Dionysian) 及阿波羅 (Apollonian) 的精神，介乎於泠靜而熱情之間。 Haskil的老師 Alfred Cortot甚至形容 Haskil的技巧雖偶有錯音，技巧亦並非札實，但每粒從她指下流露的音符均是真誠而有機的，猶如天籟，彷如是上帝派她來演奏莫札特。

莫札特第20號鋼琴D小調協奏曲充滿陰暗的色彩，首樂章一開始的和絃和切分節奏， Klemperer提供了一個稍為陰暗神秘的背景伴奏，小號和定音鼓效果依然震撼，木管部悠揚溫暖，流暢透明的絃樂，襯托出Haskil深刻的孤獨感 ; 末段配上由Haskil撰寫的鋼琴華采段 (Cadenza) ，Haskil沒有刻意放緩速度，觸鍵輕盈有力，情感自然而活生，兩者的默契可謂一唱一和，對話自然而深刻，結構嚴謹而清晰，不缺戲劇性，但絕非如某些版本般 (Gulda / Abbado)咄咄逼人，整體效果超然物外。第二樂章的開首高雅而優美，樂團的弦樂部徐緩地切入，轉調的起承轉合，可謂帶出作品的神髓，既緊張不安，又有一股「柳暗花明又一村」的期盼，思緒的走向被Haskil牽著走，末段的裝飾奏華麗而輝煌，詩意盎然，喻意由灰澀的不安，走向安莊的光明大道，情緒的拿揘恰到好處，彷如雨後吹起的春風，將陰霾一掃而空。末段由d小調轉成D大調，Klemperer棒下的愛樂者樂團加速，讓整個樂章末段的迴旋曲，充滿愉悅的張力，Haskil的琴音可謂不慍不火，絕對是一個不失情韻，又有品味的示範級演奏，比起 Curzon / Britten那張Decca名盤有更多耐人尋味的自白。

法國鋼琴名家卡沙迪舒(Robert Casadesus,1899-1992) 一向以傲人瑰麗的音色而見稱，今次1957年9月1日的實況錄音，由 Bernstein的恩師 Mirtopolous帶領維也納愛樂者樂團(VPO)，為Casadesus提供一個充滿雄性魅力的演奏，Casadesus以狂風掃落葉的指法，表現出「帝皇」協奏曲內的皇者氣派，氣派萬千，猶如一首歌頌凱旋回歸勝利者的讚歌，節奏緊湊，重音及搶板的運用可謂妙入巔亳，絕無拖泥帶水的冷場，是一個結合了Arrau及Michelangeli兩者優點的實況錄音!!!

期待Audite能繼續發掘出更多靈氣迫人，直指人心的演譯，畢竟能到琉森音樂節演出的音樂家，絕非等閒之輩!!!

                                                           

馬勒 : 少年魔術號角歌曲集 (鋼琴版)

馬勒 : 少年魔術號角歌曲集 (鋼琴版)

Thomas Hampson (男低音)

Geoffrey Parsons (鋼琴)

Warner Classics 903174726-2  [73:06]

這張於2006年的再版CD，近月咸魚翻生，個別精品影音CD鋪更多次入貨，悉數被一班連馬勒也不懂是誰的音響發燒友，搶購一空，原因?

多得最近由寶島友刊「音響論壇」出版的「音響調聲學」新書，內章提及的「劉漢盛嚴選100張棒喝CD」中的其中一款測試碟，指名道姓地提及，當今鼎鼎大名的Hi-End喇叭製造商 Wilson Audio，老闆 David Wilson亦拿此款CD作示範錄音，是為人聲的終極測試碟，而Wilson Audio喇叭是不少本地發燒友的心頭好，難怪大賣 !!! 劉總編認為此錄音內的男聲真實生動，可謂有血有肉!!! 筆者最近前往資深兼頭號發燒友鄺大俠家訪，試播此碟，從Wilson Alexia重播岀來的聲音，果然是「瀝瀝在目，形神俱備」!!!

筆者於好奇心的驅使下，買下這張早已被人遺忘的再版碟，一來為了試音，二來是想知道1991年灌錄時的知名男低音Thomas Hampson，當年之狀態如何!!! 因為數年前由他幫DGG灌錄的室樂版錄音，演出實在令人失望，Thomas Hampson似乎唱不岀「少年魔術號角」裏的那種矛盾失序的感覺，感情投入有種難以言喻的窒礙感 (想必與咬字及伴奏有關)，缺乏了「少年不識愁滋味」的味道，更何談營造岀「而今識盡愁滋味，欲語還休」的意境。

這錄音是真正由馬勒原創的鋼琴版本 (1892至1901年)，由馬勒根據德國詩歌民謠而創作的作品，Geoffrey Parsons伴奏的鋼琴亦是馬勒曾經使用過的Conrad Graf (1837年製造) ，是歷史上首次灌錄的原裝正貨版本，因為市面中其它的商業錄音 (包括 Barenboim / Fischer-Dieskau 及Bernstein / Walter Berry)，均採用馬勒死後被人刪改的改良版本，錄音小冊子亦標明此1991-93年的數碼錄音，灌錄於一間裝滿RPG擴散板 (diffusor)的柏林Teldex Studio，難怪音效獨特出眾。

廿年前的Thomas Hampson初出茅廬，演唱方法較為自然，咬字輕柔而清淅，Parsons的伴奏悠然自得，琴音縷縷，不絕於耳，沒有造作的敲琴，終極效果撫慰人心，合作默契達至水乳交融的地步，這個強調「本真復古」的錄音版本，可謂感人肺腑，聽著Urlicht(原光) 絕對可以令人淚灑，Des Antonius von Padua Fischpredigt活潑青春，Thomas Hampson果然不是那種「薑越老越辣」的男低音，畢竟每個人都曾經年輕過，正所謂「年少總有輕狂時」，筆者覺得這個版本更能反映馬勒的哲學觀念，「似堅定而敏感，似脆弱而柔韌」的矛盾失序之美，Thomas Hampson的嗓音，活像向世界不斷呼喊著「生而何為，死為何往」這個人生命題。

全碟錄音平衡自然，古董鋼琴沒有Steinway般，擁有豐厚彈性的低音，但至少人聲及鋼琴的質感逼真，崢嶸亮麗的琴聲，詩情畫意的流暢感，令筆者亦禁不住說一聲 : 「Cest la vie !!!」

Carlo Maria Giulini百年冥誕 Warner Classics紀念集

Carlo Maria Giulini百年冥誕 Warner Classics紀念集

明年2014適逢意大利籍大師級指揮家朱里尼 Carlo Maria Giulini (1914-2005) 誕生一佰週年，Warner Classics重新發行昔日 Giulini為 EMI灌錄的一系列錄音全集 : 分別是初出茅廬與LSO、Philharmonia Orchestra及LPO合作的 The London Years (17CDs) ，The Concerto Recordings (9CDs) 及後期與芝加哥交響樂團 (CSO)合作的 The Chicago Years (4CDs) 可謂涵蓋了大師Giulini前半生的錄音遺產，不得不提的是Giulini 是少數意裔德奧糸指揮為多間唱片公司灌錄唱片，計早年的EMI及DECCA，中期接掌CSO後於1976年開始為DGG灌錄了不少膾炙人口的名曲名盤 (馬勒第九交響曲及大地之歌)，後接掌洛杉磯愛樂者樂團( LAPO) [1978-1984]，及後常年擔任維也納愛樂者樂團的客席指揮直到1989年; 1989年後 Giulini週遊歐陸各國，與BPO、LSO甚至祖家的Santa Cecilla音樂學院樂團合作，晚年的Giulini選擇與Sony Classical簽約，亦不再拓展曲目，而是重新灌錄一些昔日的錄音作品。

究竟我們應如何審視這批Giulini前半生的代表作呢?

筆者認為Giulini的前半生錄音遺產代表著一個歐陸管弦文化的黃金年代，承接上世紀二戰前的浪漫遺風，亦是模擬錄音 (Analogue Recording)技術一日千里的飛躍年代，本輯 The London Years紀念集收錄了不少1950年代的單聲道錄音，甚至是直到1972年的立體聲錄音，要談 The London Years 的藝術及收藏價值，不得不提一下朱里尼的生平及藝術生涯中的幾位伯樂。

朱里尼 (Giulini)於1914年的5月9日，出生於意大利南部的Barletta，出身中產階級的家庭，父親是經營木材生意的商人，本身是一位虔誠的天主教徒，但後來移居至意大利北部，與奧地利南部邊境接壤的城市Bolzano長大，第一次世界大戰前曾是奧地利的小城，後重新劃界後，成為意大利的城市，深受奧地利及德語文化的影響，亦解釋到為何Giulini能夠對意大利歌劇及德奧交響曲如此得心應手，融合了意式的火熱情感及德奧傳統的嚴謹結構 ; 而幼年時5歲的Giulini於Bolzano聼過不少吉卜賽人的小提琴演奏，而向雙親要求贈予一傷聖誕禮物 : 小提琴，父親甚至安排一位於羅馬 Saint Cecilia音樂學院執教的 Remy Principe教授年幼的Giulini 直至16歲，18歲時Giulini進入羅馬Santa Cecilia 音樂學院改學中提琴及進修作曲，課餘亦於羅馬最享負盛名的管弦樂團 Augusteo 樂團擔任中提琴樂手，從一眾客席指揮 (De Sabata, Erich Kleiber, Otto Klemperer, Richard Strauss及 Bruno Walter) 中累積及汲取了不少指揮的實戰經驗，其中 Bruno Walter如沐春風的優雅風格及仁慈的待人之道深刻地影響了Giulini。

二戰後，Giulini 擔任 Augusteo 樂團的首席指揮，從此踏上職業指揮的道路，亦擔任 De Sabata於米籣電台樂團的助手;  1952年開始指揮史卡拉歌劇院樂團，為米籣電台灌錄了不少現場實況的錄音，其中海頓的 <月亮世界>引起了著名指揮大師「托叔」Arthuro Toscanni 的注意，由於Toscanni並沒收門生，所以與世侄Giulini可謂一見如故，但這段忘年之交卻令Giulini及Toscanini一直保持交往，托叔對 Giulini可謂耳提面命，友誼一直維持至Toscanini逝世為止。

由於Giulini本身是一位弦樂樂手出身的指揮，亦影響了Giulini處理樂曲的手法，特別重視弦樂部、木管部及中低頻的聲部，呈現更通透而溫暖的音響畫面 ; 每個樂句都有玲瓏浮突的分句，更重視聲部之間的平衡性，每首作品低音弦樂始終保持著清淅優美，Giulini更加重視和聲的結構及連貫感，令整個演繹有更強烈的有機性 (Organic)，而他的演繹一般偏愛採用較慢的速度 (相對其他同期出道的指揮例如 Karajan及Carlos Kleiber)，豐滿的弦樂織體，雖然有時他的慢速令人可以瞌睡，但華麗的色彩和細微的織體變化，有說服力的旋律流暢感，見樹亦見林的細節處理，讓人目不轉睛!!!  但其實早年的Giulini的演繹卻有較彈跳的戲劇性，試聼一下 Rossini的序曲選集便明白了!!!

向來以慧眼識人的著名EMI皇牌監製 Walter Legge，就深深被Giulini卓爾不凡的才華所折服，最令Legge印象深刻的是Giullini較為從容鬆散的節拍感，有著De Sabata的影子，Legge隨後召喚 Hebert von Karajan一同前往史卡拉歌劇院考牌，2人出名「奄尖」，但Giulini一樣順利過關 。 1955年開始Walter Legge安排旗下的Philharmonia Orchestra予Giulini，與Otto Klemperer有明顯的分工，Klemperer幾乎灌錄了大部份德奧範疇的核心作品，Giulini則專攻法國、意大利、西班牙及俄國的作品，前者如坦克車般的Gravity及花岡岩的質感，男性的陽剛味一而貫之 ; 後者則走優雅骨子的女性化演繹，卻不是娘娘腔的 (例如中期的Karajan)，筆者聼到的是更多織體scaling的描繪及樂曲行進的細膩造句 !!!!

Giulini 個性追求完美，重視排練，個性低調謙遜，與人為善，絕非暴君般的指揮家，循循善誘的耐心說服，卻令樂手都能心悅誠服為他演奏，而且只演奏及灌錄一些能與他真正心靈相通的曲目，Giulini深信只有每個音符能和他融合一起，否則只剩下追求單純的技巧，而且他始終認為指揮家只應是一個單純的演繹者，而非施加過多一己的癖好，所以Giulini亦被後世稱為癖性最少 ( mannerliness) 兼好有品味 (Taste)的指揮，真正做到寧缺莫濫 「Less is more」!!!

Giulini對演奏及灌錄作品亦非常嚴謹，沒有18個月研讀總譜的準備，他絕不輕易指揮任何作品，而且灌錄任何作品前均已多次公開演奏，排練時間充足，令樂手之間於精益求益的過程中，能全面融入音樂之中，培養嫻熟的合奏默契。 若古典錄音史上，對錄音質素要求極高的指揮家，除了Stokowski、Karajan、Reiner及Solti之外，肯定少不了Giulini，他要求錄音儘量忠實而正確地重現音樂廳 / 錄音場地的反射特性 (Reverberation)及氛圍感 (Sense of Ambience) ，錄音場地有倫敦的 Kingsway Hall 及Abbey Road第一號錄音室，Walter Legge、 Peter Andry及Christopher Bishop等皇牌監製的認真製作，加上不少錄音有發燒錄音師(Douglas Larter、Christopher Parker & Robert Gooch)襄助，所以靚聲的傑作多過衰聲「杰」作!!!

Carlo Maria Giulini The London Years 貝多芬、布拉姆斯、布列頓、德布西; 德伏札克、法雅、拉威爾、羅西尼; 舒曼及柴可夫斯基 Warner Classics 50999 99373924 (17CDs) Stereo /ADD

Carlo Maria Giulini

The London Years

貝多芬、布拉姆斯、布列頓、德布西;

德伏札克、法雅、拉威爾、羅西尼;

舒曼及柴可夫斯基

Warner Classics 50999 99373924 (17CDs) Stereo /ADD

CD1是海頓的驚愕交響曲，風格端正而活潑 ; Boccherrini C小調交響曲舞蹈感強烈; 舒伯特的「未完成」調色陰暗，但音色變化多端，暖流直搗你的心窩; 貝多芬「艾蒙格」序曲氣勢迫人，一點也不輸 Otto Klemperer。 CD2收錄了Giulini於1950-60年代經常指揮的貝多芬「田園」第6交響曲，處理手法柔和而速度偏慢，內聲部細膩而豐富，Giullini明顯強調木管部及低音弦樂部，貝8勁骨豐肌，速度不徐不疾 ; CD3的貝九劇力萬鈞，瞬間爆發的力量令人相信早年的Giulini並無因為偏好慢速的關係，而將樂聖賦予的戲劇性打折扣，比起晚期DG的版本更熱血沸騰; CD4內的羅西尼歌劇序曲選集，筆者認為是Giulini整個全集中最有神韻的演奏，速度偏快，legato的歌唱性特別濃厚，色彩絢麗多姿，William tell一曲盡顯Giulini對樂團非凡的控制力，充滿熱情及生命力 ; CD5內的舒曼第3肌里分明，Giulini風格札實而穩重，刻悥將速度放慢，拉長旋律的線條，推動力 (Momentum) 俯拾皆是，搭子是威華弟的四首著名歌劇作品序曲，性格鮮明，音色優美華麗，與Giulini長期磨合的Philharmonia Orchestra弦樂部細膩婉轉，柳暗花明的微妙效果動人，聼聼「茶花女」及「命運之力」序曲就知道Giulini營造對比的功力如何深厚; CD6法朗克D小調交響曲強調了色彩明暗之間的微妙對比，具有超乎尋常的層次感 ; CD7內的布拉姆斯第1交響曲氣勢如虹，淒美與蒼勁感互為交替，音樂的織體清澈無比，歌唱性的線條異常突出; CD8內的布拉姆斯第2及第3交響曲，Philharmonia Orchestra雖然沒有晚期DG版本內VPO高貴的音色，但依然散發了極至的深沉及秋意氣息 ; CD9內的布拉姆斯第4交響曲唯美而悲涼，但其實Giulini棒下的Brahms並不是那麼陰沉晦澀，反而是帶點曖昧的或明或暗，這個早年的EMI 錄音比晚期DG版本多了點激情及活力。

CD10柴可夫斯基第2交響曲「小俄羅斯」經過Giulini的苦心琢磨，高潮迭起，波瀾壯闊，並未受制於單聲道的錄音 (1956)效果而失色 ; CD11的柴可夫斯基第6「悲愴」交響曲暗湧不斷，盡顯天人交戰的苦澀，低音絃樂濃郁有力，木管聲部喁喁細語，銅管部略為收斂，但無損樂曲濃郁深邃的悲劇性，效果玄妙而耐人尋味 ; CD12德伏札克第7及第8交響曲，這個1976年的錄音相對客觀而具有清新爽朗的效果，LPO節奏鮮明，動感豪放，音色唯美極致，斯拉夫的味道元素稀釋了不少; 德8則是1962年 Philharmonia Orchestra的演繹，速度及強弱音的對比驚人，高品味的搶板運用，第三樂章的弦樂群奏豐滿優美，彷如天上群仙降臨人間，終章造型宏偉 ; CD13的德伏札克第9「來自新世界」交響曲，Giulini的控制力揮灑自如，音色融合了濃郁的斯拉夫火熱及條頓式(Teutonic)的厚重，速度對比大，卻不失溫暖的親和力，混合了 Toscanini的精準及Walter的內斂 ; CD14是法式音樂的匯聚，德布西的「大海」及「夜曲」，Giulini強調了明暗色彩之間的微妙對比 (nuance) ，層次感細緻，雄渾壯闊的美感良久不息 ; 搭子是拉威爾的「鏡子: 小丑晨歌」及「達孚尼第2組曲」，前者色彩斑爛，樂句之間的轉折處理獨特，舞蹈感強烈 ，但略欠一股原始的野性; 後者想像力遼闊無邊，木管部寧舍細緻，弦樂的漸強漸弱之間起伏有力，動態一流，像川流不息的清泉般清徹明亮。

CD15是拉威爾的管弦樂作品集，「鵝媽媽」內的弦樂夢幻綺麗，美侖美奐的木管部，令人耳不瑕給 ，終章感人肺腑，品味超凡脫俗 ;「孔雀亡嬰之歌」則是Giulini一向貫徹的慢速哲學，親切恬人的造句，芭蕾舞曲般的 cantabile效果，木管與弦樂之間的對話纏綿悱惻，是法式唯美管弦樂的極致，真摯的情感令筆者樂不思蜀!!! 「西班牙狂想曲」神秘而明亮，Giulini發掘了一些過往被忽略的內聲部，畫面多彩多姿，音響效果悅耳，彷如一幅色彩多變的風景油畫，錄音爆棚，動態駭人。 CD16是法雅的「El sombrero de tres picos」，濃烈的西班牙氣息貫穿全曲，拉丁般的舞蹈感，浪漫迷人的動感，重音的運用精湛到肉，旋律靚絕 ; 史特汶斯基的「火鳥」則是管絃樂showpiece，行雲流水的造句，通透嘹亮的木管部，若隱若現的弦樂墊底，芭蕾舞曲的躍動效果令人全神貫注，雖是Mono聲效，但無阻Giulini投入熱熾的情緒 ; 最後的搭子是布烈頓的「彼德格林四海間奏曲」及「青少年管絃樂指南」，前者描述性強，各聲部融合良好，速度對比強烈，後者速度偏慢，效果見樹亦見林，是頂級的發燒級錄音，難怪勇奪 1965年 Grammy Award頒發的 Best Engineered Classical Album!!!

CD17則是一段由WFMT電台於2003年訪問 Giulini的90歲賀壽節目，大師真人嗓音首次出土，既有夫子自道，亦有Philharmonia Orchestra團員的對話，既有插播某些樂曲的片段，由主持及客席嘉賓輪流評述，對話中分享了不少團員與大師昔日美好往事，訪談亦有談到大師於米蘭史卡拉歌戲院及皇家歌戲院Covent Garden的事績，更提到CSO年代的輝煌錄音，當年首席 Victor Aitay更親身評鑑大師的傑作，結尾由Giulini以貝9作範例談到他個人指揮技巧，這張CD的收藏價值極高。

筆者只有極少Giulini倫敦時期的EMI舊版錄音，難作一概而論的比較，以羅西尼序曲選集為例，舊版較musical，新版減噪較重手，但動態依然凌厲。 若純以藝術及收藏價值，這套Warner Classics 新版乃抵買兼好聽，若你堅持「紅底白字的EMI」才是正貨兼靚聲，那閣下唯有於二手鋪中尋寶了，但蹉跎歲月喎，值得等嗎???

Carlo Maria Giulini The Chicago Years 貝多芬、貝遼士、 布拉姆斯 布魯克納、馬勒、史特汶斯基 Warner Classics 50999 4 317522 Stereo

Carlo Maria Giulini

The Chicago Years

貝多芬、貝遼士、 布拉姆斯

布魯克納、馬勒、史特汶斯基

Warner Classics 50999 4 317522 Stereo ADD (4CDs)

朱里尼 (Giulini)一生擔任樂團首席指揮及藝術總監的例子不多 ( La Scala & LAPO)，最長期的合作伙伴除了Philharmonia Orchestra (1956-1972)，令 Giulini最懷緬及心儀的合作對象無疑就是芝加哥管弦樂團 (Chicago Symphony Orchestra) ，他曾經評述CSO是: 「The marvelous orchestra – I prefer not to say I conducted them, rather than I made music with these marvelous musicians and human beings. It was a deep love and friendship, something that belongs to my body, my soul and my blood. 」筆者認為Giulini溢於言表的讚美乃真心真意的，亦相信CSO應該蠻喜歡這位謙沖自牧，體貼而仁慈的客席「情人」，比起下下去到盡的正室Georg Solti，兩者的結合真正融和了精湛的技藝及非凡的音樂表達力。

Giulini擔任CSO客席指揮長達9年 (1969-1978) ，兩者關係如魚得水，建立在互相尊重及真誠的對話，當年的CSO前任首席 Victor Aitay更直言 : 「His approach to music was so honest and sincere; he was so clear and so knowledgeable of the music that the whole orchestra fell for him. From then onwards it was a long-time love affair with him. 」Giulini首次接受Fritz Reiner的邀請於1955年指揮CSO，己經贏得一向以挑剔見稱 Reiner的讚賞，更得到牙尖嘴利兼筆鋒辛辣的Chicago Tribune樂評人 Claudia Cassidy的讚美 (當年 Reiner的繼任人Jean Martinon卻難逃被她修理兼下台的厄運) 。

CD1的馬勒第1「巨人」交響曲，與Giulini的DG錄音相比，這個1971年的EMI錄音多了一份意氣風發的激情及朝氣，CSO向來以輝煌燦爛的銅管聲部而聞名於世，音量驚人，穿透性強，過往Solti的錄音揭示了一種略為失衡的乾澀燥底，Giulini於這個錄音卻妙手回春，重拾CSO過往極為飽滿、醇厚而不失精緻細膩的弦樂，銅管的生硬棱角被削弱了，但依然強而有力，清淅而和諧的織體，因為Giulini不惜花了15個小時重新作細緻的排練，令樂隊的整體平衡度能符合Giulini心目中馬勒應有的概念，這個馬勒一可謂「石破天驚，朝氣蓬勃、見樹見林、美不勝收」。

CD2是貝遼士的「羅密歐與茱麗葉」，首二個樂章被切割放於CD1作搭子，Giulini的詮釋感情豐富，但絕不沉溺濫情，是一種理智而有紀律的表達方式，令筆者想起了古人所謂: 「發而皆中節謂之中，擊而皆中節謂之和」的中庸之道，不濫情不逾越的精研造句，恰如其份表達出貝遼士狂野的想像力及肉緊的決鬥情節，一切盡在Giulini棒下的絕對控制之中，亦充份表達羅密歐那份雙重的人格分裂 : 既孤寂又情感熾熱。搭子是貝多芬第7交響曲，令人想起 Otto Klemperer的花岡岩質感及如坦克車般的重量感，但CSO嘹亮而有氣勢的銅管部，試問Philharmonia Orchestra又豈是CSO的對手呢?

CD3是Giulini早年的布魯克納第9交響曲錄音，Giulini的演譯充滿有機的冥想性，氣勢磅礴，第二樂章的trio如鬼魅般扣人心弦，Scherzo 中段內的木管部突而其來的accelerandos更令人拍案叫絕，微弱顫音 (Tremaldos) 的運用更是匠心獨俱，當然有賴發燒錄音師 Christopher Parker頂級的多咪多軌錄音，令細節更易被拾取。

CD4收入了Giulini經年的最愛曲目 : 布拉姆斯第4交響曲，首章卻不幸被切割於於CD3，Giulini首次指揮布四於1944年，亦成為Giulini一生中最核心的曲目，比起他晚年DG較個人化兼深邃的演譯，這個1969年的錄音較為火爆，有血有肉，對矛盾的刻劃更力透紙背，CSO的聲音雖被醇化了，卻有無可匹敵的悲劇性高潮，歌唱性的線條散發出深刻的秋意!!! 

Carlo Maria Giulini The Concerto Recordings 布拉姆斯、海頓、莫札特 聖桑、舒曼、普羅戈菲耶夫、韋華弟 Warner Classics 50999 43176120 (9CDs) Stereo / Mono ADD/DDD

Carlo Maria Giulini
The Concerto Recordings
布拉姆斯、海頓、莫札特
聖桑、舒曼、普羅戈菲耶夫、韋華弟
Warner Classics 50999 43176120 (9CDs) Stereo / Mono ADD/DDD

Giulini可能是歷史上被聲樂家、鋼琴家及提琴家一致稱讚的指揮家，更是被眾多最難服侍兼挑三揀四藝人最欣賞兼經常指定點名的合作對象 (名單包括 Vladimir Horowitz、出名「奄尖」的同鄉 Arturo Michelangeli 和脾氣大的 Maria Callas) ，因為Giulini 個性較內斂溫馴，做慣「順得人」!

CD1是1955年灌錄，記憶中也應該是首次發行的Stereo「實驗」錄音 : 韋華弟的「四季」，小提琴獨奏者是名不見經傳的Manoug Parkian，Giulini採取了浪漫到暈的超級慢速，低音絃樂的聲部特別厚重，與一向聽慣的本真演奏 (HIP) 大為不同，怕且與Giulini熟悉弓法、造句及弦樂的發音有極大關係，絕對是一個非常另類的演繹。 CD2是Giulini與大提琴家Janos Starker合作的海頓No.2、聖桑 No.1及舒曼A小調大提琴協奏曲，三首曲子取中庸之道，融合了古典的骨子及唯美的浪漫。CD3及CD4是鋼琴家Claudia Arrau初出茅廬的代表作，Giulini及Arrau曾合作公演布拉姆斯No.1及No.2鋼琴協奏曲三次，造型偏向「交響化」的演繹，但明顯有「各玩各」的傾向，貌合神離之感。CD5收錄了小提琴大師 Nathan Milstein演奏的普羅哥菲耶夫No.1，兩者合拍度一絕，令樂曲生命力盎然，世人不得不聽。CD6是Giulini與VSO及鋼琴家Alexis Weissenberg合奏的莫札特 No.9及No.21鋼琴協奏曲，但略嫌「重」口味一點! CD7結集了另一大提琴名家 Rostropovich拉奏德伏札克B小調及聖桑 No.1 大提琴協奏曲，格局宏偉而浪漫，充滿激情及「撚」到靚的音色，充全是100% rostropovich主導的演奏。CD8及CD9分別收錄了Perlman拉奏布拉姆斯小提協 (1976, CSO) 及貝多芬小提協 (1980, Philharmonia Orchestra) ，前者氣勢如虹、銳不可檔 ; 後者則稍嫌照本宣科，欠缺想像力!!!